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Organització de WORKSHOPS, SEMINARIS I CONFERÈNCIES (en les assignatures destinades a aquestes activitats)

[CAST]

Organización de WORKSHOPS, SEMINARIOS Y CONFERENCIAS (en las asignaturas destinadas a estas actividades) 

Recursos de los dos períodos: – Máster “Producciones Artísticas e Investigación” (2006-2011) – Màster “Producción e Investigación Artística” (desde 2012) – Otros recursos: Becas de “Movilidad de Profesorado” – Ministerio de Educación (desde 2009 hasta 2012). Convenio con la Obra Social de la “Fundació Caixa Girona” (entre 2008-2011). Comissió de Recerca – Facultad de BBAA (2013) Departamento de Pintura (2014-15). Fundación Han Nefkens (desde 2015). Departamento de Artes Visuales y Diseño (desde el año 2016).

Coordinación: asignatura “Workshops” (actividades con artistas y especialistas externos), Dra Àngels Viladomiu (desde 2017); asignatura “ Circuits Culturals”, Dr. Ramon Parramon (desde 2021), Dr. Josep Montoya (del 2014 al 2020).

2022

2021

2017

IGNASI ABALLÍ (Barcelona)

Workshop:

“Sin principio / sin final”, Diciembre 2017

Trabajo artístico:

El trabajo de Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) desafía permanentemente la atención y percepción del espectador. Utilizando estrategias características del arte conceptual, como el texto, el archivo y el documento, sus proyectos subvierten las distinciones entre géneros artísticos como la pintura, la literatura, la fotografía, la instalación, el cine y el vídeo y cuestionan, asimismo, el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte y el valor cultural o económico de los objetos.

Desde los inicios de su trayectoria en los años 80, una serie de constantes y preocupaciones han centrado su labor: la invención y reorganización de textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así, relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que se les atribuye.

(Fragmento del texto de la exposición sin principio/sin final celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, 2015-16)

Biografía:

Ignasi Aballí Sanmartí (Barcelona 1958) es un artista próximo a las prácticas conceptuales que desarrolla su obra a través de formalizaciones, técnicas y materiales diversos. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, ciudad en la que vive y trabaja. Ha sido profesor en la Escuela Massana entre los años 1990 y 2007.

Ha expuesto en museos nacionales e internacionales como el MACBA(Barcelona), Reina Sofia (Madrid), Fundación Serralves (Porto), Ikon Gallery (Birmingham) y ha participado en múltiples Bienales y Ferias de arte internacionales.

DANIEL GARCÍA ANDÚJAR (Almoradí, Alicante. Vive en Barcelona)

Workshop:

“Territorio de resistencia”, Noviembre 2017

Trabajo artístico

El lenguaje visual es la herramienta más valiosa de la práctica artística, pero en estos momentos lo “visual” está específicamente asociado al territorio digital contemporáneo, el ocio digital, la publicidad. El arte ya no tiene la hegemonía e influencia del pasado en el imaginario visual, es más, ha perdido parte de esa capacidad. Las estructuras que creamos condicionan nuestra percepción de la realidad. El conocimiento matemático (presente en los algoritmos que gobiernan la red) es un constructo y, como tal, se re-edifica sobre sí mismo. El proceso de estandarización implica ajustar algo a un tipo de patrón o modelo para que sea uniforme. Afortunadamente todo lo que somos capaces de construir, seremos capaces de modificar. La práctica artística puede convertirse en un lugar estratégico de resistencia a las interpretaciones estandarizadas de los medios digitales como maquinaria de control y mediación del capitalismo. El Arte permite generar modelos de resistencia que convierten la difusión cultural generada desde la maquinaría de los procesos de digitalización en un proceso creativo que no necesariamente lleva a la aculturación y a la receptividad pasiva de las culturas globalizadas. Nuestra reacción al bombardeo mediático evidencia su capacidad de tensión y pone a prueba nuestra resistencia. Tal vez sea el momento de dejar de producir más ruido, de fabricar más imágenes ciegas y de adhesión a la autoridad o a determinados intereses de las sociedades postcapitalistas. Esto no quiere decir necesariamente dejar de trabajar con las imágenes, más bien reflexionar cómo se han construido estas imágenes, cuál es su estructura, qué significado tienen y cómo podemos utilizarlas.

Programa:

El taller buscará el desarrollo y análisis de las nuevas herramientas y cartografías que permitan situar en el centro del debate, la necesidad de un nuevo territorio de resistencia desde dónde sea posible ejercer una intrínseca dimensión artística.

Biografía:

Daniel G. Andújar (Almoradí, Alicante, 1966) es artista, activista y teórico que trabaja y vive en Barcelona. Miembro histórico de irational.org (referente internacional del arte en la red). En 1996 pone en marcha Technologies To The People (TTTP), una compañía ficticia en la red que tiene como objetivo «hacernos tomar conciencia de la realidad que nos rodea y del engaño de unas promesas de libre elección que se convierten, irremisiblemente, en nuevas formas de control y desigualdad», en palabras del artista, y en la que se enmarcan otras líneas de acción como son las plataformas de debate sobre las políticas culturales (e-barcelona.org o e-valencia.org) y el Archivo Postcapital 1989-2001, un extenso registro de audios, escritos e imágenes localizadas en la red. A partir de estos registros que tienden a lo indeterminado e infinito, Andújar invita a reflexionar sobre las condiciones de producción, distribución y acumulación de las imágenes en el mundo contemporáneo.

G. Andújar ha expuesto en numerosos museos y centros de todo el mundo incluyendo la Bienal de Venecia, Manifesta, la Bienal de Fotografía de Helsinki o la Bienal de Kiev. En el año 2015 el trabajo de Daniel G. Andújar es objeto de una exposición retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid comisariada por Manuel Borja-Villel. Actualmente participa en Documenta14 en Atenas y Kassel con su proyecto Los desastres de la guerra. Caballo de Troya. ¿Quemar el canon? forma parte del proyecto y se consumió el 23 de junio en la ciudad de Kassel siguiendo la popular cremà de la “falla” valenciana.

Ha impartido y dirigido talleres y seminarios para artistas y colectivos sociales en numerosos países.

http://www.danielandujar.org

 

Asignatura Circuits Culturals, Octubre / Noviembre 2017.
Coordinada por Dr. Josep Montoya.

HESAM RAHMANIAN (Knoxville EEUU. Vive en Dubai)

Seminario – Master Class:

“The Maids”, Octubre 2017

Con la colaboración de la Fundación Han Nefkens

RAMIN HAERIZADEH / ROKNI HAERIZADEH / HESAM RAHMANIAN (Colectivo iraní)

Trabajo artístico

El colectivo iraní compuesto por Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh, y Hesam Rahmanian, se constituye en el año 2009, en la actualidad viven y trabajan en una casa de Dubai en el exilio. Así mismo comparten su afán coleccionista y colaboran para crear provocativas instalaciones que desafían los modos convencionales de exposición. El teatro de calle persa Ta’ziyeh es una influencia particularmente importante en su práctica, dada su teatralidad, el uso de accesorios, la ironía y el transvestismo. En su instalación “All The Rivers Run Into The Sea. Over.” / “Copy. Yet, The Sea Is Not Full. Over.” (2015) recrean una versión de su casa-estudio, con obras propias y de otros artistas, todo ello comparte espacio con objetos encontrados, exhibidos a manera de bric-à-brac. El trabajo de este colectivo se distingue de las tendencias dominantes en el mundo artístico actual por la recuperación de la importancia de la experiencia y la sensualidad en su obra. Si sus instalaciones, con un marcado carácter lúdico, desdibujan las prácticas individuales bajo un impacto visual inmediato, sus obras también abordan la política contemporáneo con ingenio e ironía.

Programa

Presentación del trabajo conjunto entre los tres artistas, de sus procesos artísticos y de sus colaboraciones con otros creadores y profesionales de otros ámbitos. Una introducción a varios de los trabajos que componen la exposición The Maids en el MACBA y una presentación del video Black Hair que reflexiona sobre el límite entre la realidad y la representación, la creación y la destrucción, la vida y la muerte.

Biografía

Los hermanos Ramin (Tehran, 1975) y Rokni Haerizadeh (Tehran, 1978) y su amigo de infancia Hesam Rahmanian (Knoxville, 1980) han expuesto en la Kunsthalle de Zürich y el Institute of Contemporary Art in Boston entre otros centros y galerías. El colectivo ha obtenido el Premio Han Nefkens/MACBA 2015 con la exposición The Maids realizada en octubre 2017, que mostró las obras: Macht Schön y From Sea to Dawn (2016-17) dos pinturas en movimiento y The Maids (2012-15) una obra basada en la novela “Las criadas” de Jean Genet, entre otras obras creadas ex profeso para la ocasión, algunas producidas en colaboración con otros creadores como John Cole y Joan Baixas (director de la compañía de teatro La Claca que realizó, con escenografía de Joan Miró, la obra “Mori el Merma” en el Lliceu de Barcelona en el año 1979).

2016

JUAN LUIS MORAZA (Vitoria – Gasteiz. Vive en Madrid)

Workshop:

“Arte y Sabcer”, Noviembre – diciembre 2016

Trabajo artístico

El artista fue miembro fundador del colectivo CVA (1980-1985) junto con Marisa Fernández, con el que creó obras de un marcado conceptualismo

En la actualidad trabaja en una obra físicamente abierta, comprometida y eficaz que enlaza con un discurso conceptual donde el lenguaje y las ideas constituyen un lugar habitado por el artista, donde el cuerpo, el sujeto, sus herramientas, la ciudadanía, el tiempo laboral, las experiencias y el universo de relaciones en la vida social, son examinadas y tratadas bajo una óptica analítica que se infiltra en los dilemas de la vida y de la artisticidad.

En sus palabras: “No debemos confundir el sujeto que un artista está siendo con el artista que un sujeto está siendo. La coordinación o descoordinación entre el sujeto y el artista implica-como persona-una preocupación por el mundo del arte y por la vida, e implica-como artista-una preocupación por el arte. El arte exige una cierta “Ecualización” entre estos dos tipos de preocupaciones, porque si prevalecen o solo existen las preocupaciones del artista, tendremos la figura del artista narcisista, ensimismado en su elucubraciones, o en juegos artísticos auto-referenciales…Y si prevalece o sólo existe la preocupación por el mundo, digamos que el arte deja de tener lugar, y se convierte en otra cosa: comentario, documentalismo, crítica, reflexión, activismo –todas ellas, cosas importantísimas -, pero sin los compromisos y las exigencias del arte”.

Programa

El arte conlleva una triple dimensión cognitiva, patrimonial y cultural. Pero sólo la apreciación de las singularidades cognitivas de la experiencia del arte justificaría un lugar para la creación dentro del reino de la investigación.

Se trata de una experiencia anaxiomática (imprescriptible en términos de significación), dialógica (remite a una pragmática más que a una semántica),analógica (transrepresentacional), y abductiva (sus procesos de inferencia remiten a un modelo de pensamiento hipotético, más que deductivo o inductivo). Y como modelo de integración cognitiva, el arte supone: implicación y recursividad subjetual, inexclusión factorial, procesualidad radical, intensificación experiencial, transmisión interactiva, inductora, sensibilidad patrimonial… Todas estas singularidades permiten apreciar las posibles aportaciones de la experiencia del arte al campo yal ámbito de la investigación.

Sesiones:

1. Arte en las sociedades del conocimiento. Lugar del arte en la pos-tuniversidad.

2. Epistemología y gnoseología del arte. Condiciones de posibilidad.

3. La dimensión cognitiva del arte.

Biografía:

Juan Luís Moraza (Vitoria-Gasteiz, 1960). Doctor en Bellas Artes por la UPV-EHU (1994). Escultor y Profesor titular de la Universidad de Vigo. Ha ejercido la docencia en la Universidad del País Vasco; siendo también profesor invitado en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, en la École d´Art de Marsella, en la Universidad de Tirana, en el Instituto de Estética y Teoría de las Artes de Madrid,la Universidad de Buenos Aires, o la Universidad Internacional Menéndez Pelayo…. Recibe la beca del Banesto en 1990, y la Beca del Ministerio de Asuntos Exteriores, en 1991.

Su obra forma parte de prestigiosas colecciones, tanto públicas (Guggenheim-Bilbao, MNCARS-Madrid, ARTIUM-Vitoria), como privadas (Helga de Alvear – Madrid, Galería Angels-de la Mota – Barcelona, Rona Hoffman, Dona & Howard Stone, Fundación Coca-Cola,….) Ha comisariado numerosas exposiciones, como “El retorno de lo imaginario”(Reina Sofía, Madrid, 2010), “Incógnitas” (Guggenheim-Bilbao, 2007),

Y ha publicado varios libros como “Corduras” (2007), “Ornamento y Ley”(2007), “Las formas del límite”(2006), y numerosos artículos en revistas y libros de colaboración. Ha representado a España en la Expo 92 de Sevilla, en la Bienal de São Paulo de 1994 y en Bienal de Venecia de 2001. Realiza exposiciones desde 1980, entre las que cabe destacar “Trabajo Absoluto” en Espacio Mínímo, Madrid (2016) o la realizada en el Museo Reina Sofia, titulada “República” (2014), o “Implejidades”, Centro Cultural Montehermoso (2010).

FERRAN GARCÍA SEVILLA (Palma de Mallorca. Vive en Barcelona)

Seminario:

“Presentación de la obra video-gráfica “La HUMANITAT”, Noviembre 2016

Trabajo artístico

Desde finales de los años sesenta hizo textos, cine, fotografía, body art y performances que le situaron en un lugar significativo en el arte conceptual del país, con obras experimentales y de crítica política. Desde los setenta, partiendo de los textos de teóricos de la ciencia y de filósofos clásicos y modernos, su obra se centra en el ámbito lingüístico y en los límites de la imagen y su representación. Desde finales de los setenta, incorpora también los grandes formatos pictóricos. La exposición Muermos, que tuvo lugar en 1977 en la Galería G de Barcelona, supuso su paso a la pintura. Garcia Sevilla se considera también un coleccionista de imágenes de varias procedencias. Así, su lenguaje pictórico muestra una gran diversidad que integra conceptos de física, cosmología, naturaleza, ciudad, religión e historia del conocimiento.

El artista fue invitado para hablar de su proyecto LAHUMANITAT.CAT. Explica su proyecto así:

LAHUMANITAT.CAT es un proyecto artístico y político, estético y ético, inclusivo y relacional. Es una propuesta visual y sonora que se dirige a todo el planeta desde Catalunya. Una experiencia de conocimiento y de reconocimiento. Una invitación dirigida a personas en todo tipo de situación y de pensamiento. Es un ejercicio de acción directa. Un documento a favor de todas las lenguas y de todos los lugares y de todas las personas que quieran participar. Es un proyecto anónimo pero con autores y actores, sistemático pero azaroso, un proyecto colectivo a partir de individuos concretos, estático pero errante, sin principio ni final…
Desde hace dos años estoy pidiendo a amigos, y a amigos de amigos, que hagan dos videos con su móvil de 30 segundos cada uno y en posición horizontal: uno del suelo que pisan caminando, y otro de aquello que tengan sobre su cabeza, también caminando en el mismo lugar. Siempre en posición horizontal. Y que después me los envíen. El conjunto de esos videos es la materia prima de LAHUMANITAT.CAT El resultado de la obra es un conjunto de imágenes superpuestas, que se suceden sin solución de continuidad, marcando los límites superior e inferior de una persona caminando por la superficie del planeta durante un minuto de su vida, y compartiéndolo.
Estás viendo videos de más de treinta países, de momento. La diferente duración de los videos y el programa informático al azar hacen que fluyan de manera que el suelo de uno tenga la parte superior de otro, posiblemente a miles de kilómetros de distancia, y viceversa. Porque la cadencia y el orden de los videos está condicionado por un programa informático que los presenta al azar.
Junto a estos videos suenan unos audios hechos por mi mismo con sonidos, músicas, lenguas, ruidos, explicaciones, comentarios, etc., de todo el planeta, o casi todo. También abandonados al azar.
La humanidad vista como un gigantesco hormiguero inquieto. Nada y todo coincide, se mueve. El centro está en todas partes.

Biografía

Ferran García Sevilla (Palma de Mallorca, 1949) vive y trabaja en Barcelona. Vinculado inicialmente a la teoría y la crítica de arte, Ferran G. Sevilla ha sido profesor de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y en diversas universidades. Expuso por primera vez en 1972. Iniciado en el arte conceptual (instalación Patrius, Patria, Patrium, 1976), desembocó en la pintura y el grafismo, enmarcado en el denominado arte postmoderno. Se formó con Alexandre Cirici y en los departamentos de Historia, Historia del Arte y Filosofía de la Universidad de Barcelona y en Palma de Mallorca.

Exposiciones individuales — selección: 2013 La teoria de l’evolució. L’evolució de la teoria, Galeria Joan Prats, Barcelona. 2010 Ferran Garcia Sevilla, Irish Museum of Modern Art, IMMA, Dublin, and Patio Herreriano, Valladolid 2008. Ferran Garcia Sevilla, Galería Fúcares, Madrid. 2002 Ferran Garcia Sevilla, Galeria Joan Prats, Barcelona. 1999 Obra gráfica, La Caja Negra, Madrid. 1998 Hecho y deshecho en casa, Galería Miguel Marcos, Barce-lona. / Ferran Garcia Sevilla, IVAM, Centre del Carme, Valencia. 1997 Xa, Tiro, Rupa y Arto, Fundació Joan Miró, Ciutat de Ma-llorca. 1996 Déus, Museu d’Art Contemporani, Barcelona. / XXIII Bienal, Sao Paulo, Brazil. 1995 Fechas, Galería Juana de Aizpuru, Madrid 1992 Garcia Sevilla, Elga Wimmer Gallery, New York. / Ferran Garcia Sevilla, Galería Luis Adelantado, Valencia. / Ferran Garcia Sevilla, Galería Joan Prats, Barcelona. 1991 Negra, Galerie Lelong, Paris. / Ferran Garcia Sevilla, paintings and drawings, Galerie Wanda Reiff, Maastricht. / Pinturas, Galería Juana de Aizpuru, Madrid. 1990 Garcia Sevilla, Galería Fernando Alcolea, Barcelona. / Ferran Garcia Sevilla, Galería Edurne, Madrid. / Sama, Lelong Gallery, New York. 1989 La torre de papel, Palacio de Velázquez, Madrid. / FIAC, Galerie Lelong, Paris. / Garcia Sevilla: 25 pinturas, Seibu, Tokyo. / Ferran Garcia Sevilla, Galería Edurne, Madrid. / Litos, Galería Ediciones Polígrafa, Barcelona. 1988 Ferran Garcia Sevilla, Storrer Gallery, Zurich. / Cien, Galerie Lelong, Paris. / Pinturas, Galerie Aesbeck, Copenhagen. / Pin-turas, Galerie Wanda Reiff, Maastricht. / Ferran Garcia Sevilla: Pinturas 1982-84, Cankarjev Dom, Ljubljana and Obalne Galerije, Piran. 1980-86, Musée Beaux Arts, Nîmes. / Mona, Galerie Kicken- Pauseback, Cologne. / Pinturas, Galería 16, Stockholm. / Fe-rran contra Garcia en Madrid, Galería Juana de Aizpuru, Madrid. 1986 Mapa del cielo, Galerie Harald Behm, Hamburg. / Pinturas, Galerie Buchmann, Basel. / Donner le là: Garcia Sevilla, Musée Ingres, Montauban. / Biennale, Spanish pavilion, Venice. 1985 Treballs sobre paper, Galerie Altnöder, Salzburg. / Pariso, Galerie Yvon Lambert, Paris. / Tres en uno, Riverside Studios, London. 1984 Empires, Galerie Ariadne, Vienna. / El paso de un cometa, Anders Tornberg Gallery, Lund. / Pintures, Galerie Brinkman, Amsterdam. / La misma ciudad en otro sitio, Galería Lia Rumma, Naples. / Ferran Garcia Sevilla, bilder und gouachen, Galerie Ferdinand Maier, Kitzbühel. 1983 Pinturas, Galería Yerba, Murcia. / L’expansió del foc”, Galería Dau al Set, Barcelona / Peintures, Galerie Medamothi, Montpellier. 1982 Déus, Galería Ciento, Barcelona. / Illes a ca meva, Galería 4 Gats, Ciutat de Mallorca. / Der Traum der einäugigen Frau, Galerie Jörg Stummer, Zurich. / No te creo, Galería Heinrich Ehrhardt, Madrid. 1981 Res selvática en la ciudad, Galería Central, Madrid. / El viatge més absurd, Galería Maeght, Barcelona. 1979 Dansa, Casa de la Cultura, Granollers, Barcelona. 1978 Ferran Garcia Sevilla, Galería Temps, Valencia. 1977 Damunt Las Meninas, Galería 3 i 5, Girona. / Venal, Galería G, Barcelona. 1976 Patrius, patria, patrium, La Caixa, Barcelona. / P.M., Galería G, Barcelona. / El faro del poder, Museu de Mataró, Barcelona. 1974 Instalación oscura: todo/nada, Instituto Alemán, Madrid. / Materialización física de conceptos abstractos, La Sala Vinçon, Barcelona. / Semejanza/ contacto, Academia de Bellas Artes de Sabadell, Barcelona. 1973 A través del pensamiento, a través del cuerpo, a través de la naturaleza, La Caixa, Barcelona. 1971 Motllos, trajectes i tensions, Casa de la Cultura, Ciutat de Mallorca. 1970 Miratges, Casa de la Cultura, Ciutat de Mallorca.

ENRIC MAURÍ (Cardedeu, Barcelona)

Seminario:  “Presentación de la obra video-gráfica “Sarajevo 2000, la posguerra y la fragilidad de los tratados de paz”, Noviembre 2016

Trabajo artístico

El arte de Enric Maurí está impregnado de un valiente y poético descenso al proceso vital mismo. Se infiltra en los mecanismos del ser para testimoniar disfunciones en la vida social en general y dar salida a pequeñas revueltas, instigando al interlocutor a construirse una autonomía como sujeto posicionado. Sus trabajos dejan entrever de forma explícita las violencias soterradas ejercidas por los poderes económicos, tecnológicos y de las burocracias occidentales. Pone de relieve, haciendo tambalearse, los micro-aspectos que afectan tanto el día a día cercano como el de las macro-historias de Occidente con inexplicables conflictos bélicos (Sarajevo) y las precariedades de los tratados de paz.

A menudo, su cuerpo se convierte en materia conductora de las dificultades que vive la humanidad, con el que practica un particular accionismo intimista, catártico y contracultural que le caracteriza desde hace más de tres décadas. En la mayoría de sus trabajos ha introducido métodos para-artísticos (acciones de boxeo, fiestas-performance, entrevistas, pancartas, gráficos estadísticos, …) para dar la palabra al otro con el fin de crear un análisis coral de las situaciones y problemáticas estudiadas donde el artista queda disuelto. Desde sus variadas facetas como cantautor, performer o vídeo-documentalista, facilita reacciones y liberaciones en conexión con radicales experiencias artísticas iniciadas en los años 70.

Programa

El artista fue invitado para hablar de su obra “Sarajevo 2000, la posguerra y la fragilidad de los tratados de paz” (Dentro de la exposición “Tecnologies de la violència”. Arts Santa Mónica, octubre 2016 – enero 2017)

El largometraje pretende hacer un retrato de Sarajevo después de la guerra, cuando se da por terminado el asedio y ya no es mercancía para los medios de comunicación. Es preguntarse qué ocurre cuando se da por finalizada una situación de guerra, cuando se evidencian la tristeza, la soledad, el vacío … Es analizar, después de 20 años, si los tratados de paz son de paz o de no guerra, y la mera función de paréntesis que ejercen. El film-ensayo de 125´ se nutre de material filmado por el autor circulando por la ciudad en coche y autobús, de entrevistas con 5 afectados por la guerra (desde un foto-periodista a un general), de sus performances (realizadas en la Biblioteca destruida de Sarajevo absorbiendo los títulos de los libros quemados en su cuerpo, y en el túnel subterráneo untándose con alimentos y recorriéndolo desnudo como recordatorio del único lugar por el que se abastecía de comida a la ciudad), junto con algunas imágenes del archivo de guerra cedido por la SAGA de Sarajevo. La cámara tan solo capta rasgos ante lo inabarcable de la situación.

Biografía

Enric Maurí (El Fou, Cardedeu, Barcelona,1957) desde 1983 participa en exposiciones, festivales y selecciones de vídeo. Entre sus exposiciones individuales destacan: “Mecanismes del ser” Museu de Granollers. La Gran Festa ACVIC Centre d’Arts Contemporànies y Centre d’Art La Rectoria, de Sant Pere de Vilamajor. ‘Instal·lacions furtives La fàbrica de les arts, espai d’art, Roca Umbert Granollers/BBAA dentro del simposium Internacional. “Topographies invisibles, Barcelona. Jo què puc fer? Galeria Fidel Balaguer,Barcelona. Jo què puc dir? Galeria H2O,Barcelona. Simulació/Seducció i un paisatge. Galeria Antonio de Barnola, Barcelona. Life’s Rounds. Galeria 44 – art contemporani -. Barcelona. Allà, enllà. Centre d’Art Santa Mònica. Barcelona. Casa. Sala El Roser. Ajuntament de Lleida. · Aisatge. Museu d’Art de Girona. Galería AD HOC. Vigo. Estat de coma. Galeria Artual. Barcelona. · Galeria Central. Sabadell. Gallery 72. Omaha NE. EUA. Galeria Studio Oggetto. Itàlia. Galería Post-Pos. València. Galeria Axe Actuel. Toulouse. França. Centre Cultural de Terrassa.

Asignatura Circuits Culturals, Octubre / Noviembre 2016.
Coordinada por Dr. Josep Montoya.

ZHOU TAO (Changsha, China)

Seminario:

“Blue and Red”, Noviembre 2015

Con la colaboración de la Fundación Han Nefkens

Trabajo artístico

Su obra se basa en la realización de videos o cortometrajes que cuestionan la vida cotidiana de los lugares y las comunidades que encuentra. Se plantea preguntas acerca de las múltiples trayectorias de la realidad. Su manera de grabar escenas cotidianas es a menudo a través del acto prolongado de mirar lo cual crea una profunda intimidad poética en sus obras. Muchas veces expone sus videos junto con dibujos y fotografías.

El artista define su film Blue and Red y su método de trabajo y pensamiento así: “No veo la imagen como una forma de documentar la crueldad de la vida, o por ejemplo el vértigo psicodélico de las luces LED azules en la plaza, sino más bien como una manera de conectar la superficie y la piel o incluso lo que se esconde debajo, desde el doble a la reencarnación. En una época en que todo el mundo puede sacar su teléfono para filmar, hemos desarrollado un nuevo reflejo humano, descubriendo nuevas maneras de pensar, mirar y sentir. Esta acción se ha hecho tan habitual que casi la ignoramos: ha nacido una nueva poética básica, que nos permite funcionar usando y viendo las posibilidades de una nueva antena sensorial.”

Programa

Presentación de su trayectoria artística de los últimos años con especial atención a los métodos de trabajo seguidos para la realización de las obras Tide (2008), Time in New York (2009) y South Stone (2010-11). Y coloquio con los alumnos.

Biografía

Zhou Tao (Changsha, China, 1976) ha participado en residencias en Nueva York, París, Bangkok y Barcelona y ha tenido exposiciones individuales en MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts (2009); Guangdong Times Museum, Guangzhou, China (2012); Hiroshima City Museum of Contemporary Art (2012); Kadist Art Foundation, Paris (2013); y el MACBA (2015). Fue ganador del primer HNF / BACC Award for Contemporary Asian Art, otorgado por la FHN en Bangkok en enero de 2015, a raíz de la cual realizó la exposición individual en el Convento del Angels del MACBA, en Noviembre de 2015.

2015

CARLOS BUNGA (Porto- Portugal)

Workshop: “Espacio Mental”, Noviembre 2015

Trabajo artístico:

Carlos Bunga realiza instalaciones in situ en las que interactúa a la vez que trastorna la arquitectura que lo rodea, enfatizando el aspecto performativo del acto creador en trabajos que acostumbran a prolongarse durante semanas. El artista despliega en el espacio real sus pinturas escultóricas realizadas con materiales cotidianos y humildes, fruto de complejas relaciones entre construcción y destrucción y una sutil investigación del color y la materialidad que pone en dialogo lo micro con lo macro. La instalación es para él “un formato fronterizo y complejo como la sociedad de hoy en día”.

Sirviéndose de materiales modestos, como son el cartón de embalar y la cinta adhesiva, con acabados imperfectos y técnicas de reciclaje, construye espacios reales, corredores, espacios laberínticos, especies de hornacinas o falsos muros. Con sus métodos de improvisación el artista “repiensa” el espacio, absorbe sus limitaciones, lo hace “crecer” y lo “expande” hacia otras potencialidades que halla en su interior, en las que involucra a la historia y sus temporalidades. Un nuevo conceptualismo de la pintura que reivindica un tratamiento arqueológico del espacio.

En el interior de la delicadeza aparente de sus arquitecturas de cartón, afloran anacronismos que son severos ataques a las harmonías familiares y a la seguridad social del hecho arquitectónico, para hablarnos de importantes aspectos de vulnerabilidad y transitoriedad. Bunga alude a la nueva situación del mundo actual generada -en palabras suyas- por el “multiculturalismo, migraciones, internet, lo multidisciplinar, y el nomadismo… Me interesa potenciar esas correspondencias entre el espacio de mis instalaciones y el espacio social”.

El artista trabaja en maquetas, dibujo, pintura, escultura, fotografía y video.

Programa:

El workshop tratará temas relacionados con la importancia de los procesos de creación, la singularidad de la actividad creativa, los desplazamientos psíquicos en la construcción de la obra, los espacios intermedios, el nomadismo y la permeabilidad a la simbología de los lugares, para la elaboración / reconstrucción de espacios de reflexión y cohesión.

Biografía:

Carlos Bunga (1976, Porto, Portugal). Vive y trabaja en Barcelona. Ha estudiado en la “Escola Superior de Artes e Design” (ESAD) en Caldas da Rainha, Portugal (2003). Ha obtenido la Beca Marcelino Botín en 2006. Ha estado presente en colectivas como: Manifesta 5, Donostia-San Sebastián, España (2004); Things Fall Apart All Over Again, Artists Space, New York (2005); Farsites: Urban Crisis and Domestic Symptoms in Recent Contemporary Art, inSite_05, San Diego Museum of Art (2005); Unmonumental: The Object in the Twenty-First Century, New Museum, New York (2007); Construir, habitar, pensar, IVAM, Valencia, España (2008); 29 São Paulo Bienal, São Paulo, Brasil (2010); Delimitation, Herzliya Museum of Contemporary Art, Herzliya, Israel; Ruins in Contemporary Art, University Art Museum, University of California, Santa Barbara, CA (2012); Open Monument, Kunstraum Kreuzberg Bethanien, Berlin, Germany (2013); Beyond the Supersquare, Bronx Museum, New York, USA (2014).

Ha realizado exposiciones individuales en Culturgest, Porto (2005); Milton Keynes Gallery, Inglaterra (2006); Heterotopías, MARCO, Museo de Arte Contemporáneo, Vigo, España (2009); Metamorphosis, Miami Art Museum (2009); Mausoleu Pinacoteca, Museu de São Paulo de Arte Contemporânea, Brasil (2012), For the love of dissent, Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), Mexico City, y Ecosystem, Grand Rapids Public Museum, Michigan, USA (2013); Por amor a la disidencia, Museu Amparo, Puebla, Mexico (2014); I am a Nomad, Haus Konstruktiv, Zurich, Switzerland (2015) y realiza una exposición individual en “La Capella” del MACBA, en octubre de 2015.

FERNANDO PRATS (Santiago de Chile)

Workshop:

“Bruxismo”, Octubre 2015

Trabajo artístico

Fernando Prats entiende el arte como radical acontecimiento que se sitúa en “la brecha que hay entre el mundo y la tierra”. Su obra trabaja directa y crudamente con la corporeidad de las materias como señales que no se borran. Su accionismo se centra en recopilar huellas descendiendo al lado indescifrable e incontrolado de la naturaleza y de la historia (la “historia de los hechos”, como él la denomina), que convierte en poderosas instalaciones que funcionan como barómetro de las energías que nos rodean y hablan de nuestra cotidianeidad convulsa.

En sus andaduras nómadas se ha adentrado en las zonas de la naturaleza más extremas del planeta donde el hombre ha tratado de imponer sus dominios (en el desierto chileno del Norte de Atacama, en lugares de agua contaminada con residuos de minas de extracción de cobre en Chuquicamata (Chile), en zonas de geiseres calientes a 5.000 m. de altitud (geiser del Tatio), en los acantilados de Antofagasta en el Océano Pacífico, o en puntos remotos del continente Antártico–Isla Elefante y Base Prat en la Isla de Greenwich-, emulando la fallida aventura del explorador inglés Shakelton). Ha recalado también en lugares míticos de la historia de Europa, como la cueva de Manresa donde tuvo su iluminación San Ignacio de Loyola, el crematorio del campo de concentración de Auswitch, o los refugios barceloneses durante de la guerra civil española, para realizar acciones que tratan de retomar acontecimientos, ver cómo en ellos resuenan peligrosos intereses del hombre (de explotación económica, de conquista territorial o de violentación ideológica),y trazar, a su vez, una nueva geopolítica de los hechos.

En su afán por dar cobijo al colapso como forma también de liberación, ha reseguido y obtenido huellas en poblaciones conmocionadas por catástrofes naturales en latino-américa. Su arte trata de penetrar los impulsos orgánicos del mundo y de filtrarse en los mecanismos de las materias (humo, cenizas, agua, vapor, uñas, sal, cobre,….) para reavivar el conocimiento de nosotros mismos a través de lo que sus metamorfosis puedan enseñarnos. Su diálogo con los vestigios del desastre y con la fisicidad del mundo es una nueva forma de deconstrucción de lo simbólico que Fernando Prats trata de alumbrar con el arte.

Propuesta

“Bruxismo” es la reacción inconsciente del movimiento de las mandíbulas, que provoca un constante frotamiento entre los dientes a causa de un acusado estado de tensión psicológica, durante el sueño profundo.

La idea de “frotamiento” es el punto de partida del Taller, que será ofrecido a los alumnos como espacio de acción posible a desarrollar.

El frotamiento, en arte, es un método pictórico que permite dejar registros, en negativo, de señales dejadas en el plano pictórico, por objetos inertes y vivos.

Se tratará de que los alumnos intervengan con una propuesta libre sobre unas cajas con papeles ahumados por el artista, que se cederán para esta acción.

Biografía

Fernando Prats (Santiago de Chile, 1962). Vive y trabaja en Barcelona desde 1990. Licenciado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile en 1996. Y postgraduado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona en el año 2000. Ha obtenido premios y Becas, entre ellos, Premi Miquel Casablanca, Barcelona (1992); Premio de Honor Presidente del Gobierno de la República de Chile (1997-2000); Artist in Residence Kunst-Station Sankt Peter Köln, Colonia (2002-03); Beca FONDART, Gobierno de Chile (2003); y de la Guggenheim Memorial Foundation, N.York (2006-07).

Ha realizado exposiciones individuales en la Fundació Joan Miró , “Cripta –Ciclo Pandemonium” (1995); “Deambulatoris”- Catedral de Vic, Barcelona (2000); “Del Cardener a la Antartida 2001-2004”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile (2004); “Catch on the Fly”, La Gallera, Ayuntamiento de Valencia (2009); Instalación “El nacimiento del mundo 1925-2011”. Fundación Miró, Barcelona (2011) y ”Todesfugue” (2013) en la Galería J.Prats de Barcelona. Ha representado al Pabellón de Chile con la instalación “Gran Sur” en la 54ª Bienal de Arte de Venecia (2011) , y ha estado presente en la “Mediations” Bienal de Poznan, Polonia (2012), con una doble instalación realizada en el despacho y búnker de Hitler, en el Castillo Zamek en Poznan. Entre las exposiciones colectivas destaca su participación en la “XI Bienal Internacional de Arte Iberoamericano” de Valparaíso, Galería Municipal de Artes, Valparaiso (1994); “Chile . Transferencia y densidad (1973-2000), Museo Nacional de Bellas Artes, Santiado de Chile ((2000); “Building, Dwelling, Thinking”. IVAM, Valencia (2008); “Olor, Color, Química, Arte y Pedagogía”. Arts Santa Mònica, Barcelona y « Ailleurs”. Espace Culturel Louis Vuitton, París (2011);”Ni pena ni miedo. Arte Chileno Contemporáneo.” MEIAC,Badajoz, España y “Voyage / Voyage. Un art contemporain déboussolé”. Maison de l´America latine. Paris. (2012).

El taller de Fernando Prats dio lugar a una obra colectiva realitzada por los 18 alumnos del Màster (línia ACI):

La materialitat de la paraula, 2015

Dos cajas de humo, 18 papeles y vídeo 7’48”

Esta obra ha sido depositada en La Col·lecció d´Art Contemporani de La Universitat de Barcelona.

Asignatura Circuits Culturals, Noviembre 2015. Coordinada por Dr. Josep Montoya.

2014

Asignatura Circuits Culturals, Noviembre 2014.
Coordinada per Dr. Josep Montoya.

-LOLA LASURT (Barcelona-Bruselas)

Conferencia: “A des-temps: derives per la historia i procesos de participació”, Noviembre 2014

Contenidos

– interpelaciones a la memoria colectiva para rescatar los olvidos históricos.

-Mapeo de las herencias históricas que estructuran nuestro pasado

-Investigar en las formas ocultas de organización/acción ciudadana, haciendo particulares derivas en archivos y en museos, como almacenes que distorsionan/condicionan el conocimiento

-Reconducir los hilos alternativos de la historia y las memorias oprimidas, en un nuevo escenario de presente.

-Operar dentro de un marco de reclamación de nuevos formatos para lo conmemorativo (el monumento) donde sea posible reintroducir lo que es antagónico a los discursos hegemónicos del poder y de la voz oficial.

Realiza pinturas, videos, acciones colectivas, desarma archivos y coordina mesas redondas. Su trabajo es reconocido por su forma oblicua de entrar en la historia colectiva y por su alta implicación en hacer aparecer aspectos ladeados de la memoria histórica, que recrea por medio de nuevas formulaciones estéticas y participativas que desarticulan las fijaciones políticas de la historia. Propone el concepto de “transacción” frente al de “transición” democrática.

Biografía

Lola Lasurt (Barcelona, 1983). Licenciada en la Facultad de Bellas Artes.Ha realizado cursos en la UAB (Barcelona), en el BTEC (Londres) y en el Post-Academic Program de Gante (Bélgica). Ha realizado residencias en Friesland- The Netherlands, Hangar-Poblenou, y Cape Twon en Sud- Africa. Ha expuesto en Sant Andreu Contemporani, Barcelona, 2006; “Domestica’09” y Festival de Video-Arte “Loop” Barcelona (2009); Centro de Arte Tecla Sala-L´Hospitalet (2010), Espacio Caja Madrid , Barcelona (2011); Cicle “L´Aparador”, Mollet del Vallès, Barcelona (2011); Greatmore Art Studios, Cap Town, Sud-Africa (2012); Programa de la Imagen-Huesca (2013); Anneessens Palace; Bruselas- Bélgica (2013); Ciclo “Arqueologies preventives”, Espai 13-Fundació Miró(2014). Y ha realizado Talleres en Espacio Caja Madrid, Barcelona; Can Xalant- Mataró; Matadero (Ctro. Creación Contemporánea)-Madrid. Es miembro del Colectivo Philosophy, Music an the Arts desde 2007. Ha sido asistente de la exposición Rodney Graham del MACBA; ha obtenido Becas de Sala d´Art Jove-Generalitat; Institut de Cultura-Ciutat d´Olot; del CONCA y de la EADC, de la Generalitat de Catalunya

Artista post-graduada en el Máster (línea ACI).

MAITE GARBAYO (Navarra)

Seminario: “Cuerpos que aparecen: performance y feminismos en el tardo-franquismo y su contextualización internacional”, Diciembre 2014

Este Seminario abordará la aparición del cuerpo del/la artista en las prácticas performáticas durante la década de los 60/70, encarnando las problemáticas inherentes a la construcción identitaria, lo que contribuyó a socavar el discurso de la historia del arte tradicional y a la puesta en crisis del sujeto moderno en el tardofranquismo. El modo en que la performance iba vinculada al trauma de lo político y los contra-gestos que se proponían desde estas prácticas.

Se adentra en las implicaciones estético-políticas de la aparición de estos cuerpos en la esfera pública, y estudia el modo en que estas prácticas de acción se convierten en un espacio de posibilidad para fundar visualidades periféricas dentro del contexto local , que se enmarcaran en la aparición de feminismos y conceptualismos a nivel internacional.

El análisis se realiza apoyado en las teorías de Judith Butler, Josefina Ludmer, Patricia Mayayo, Diana Taylor, Jesús Carrillo, Peggy Phelan, Begoña Zábala, Pilar Parcerisas y Joan Riviére.

Maite Garbayo Maeztu (Pamplona, 1980). Doctora en Historia del Arte por la Universidad del País Vasco y Máster en Teoría Estética por la Universidad Nacional Autónoma de México. Es investigadora y crítica de arte, especializada en crítica feminista y estudios de performance. Desde 2011 es integrante del grupo de investigación “La cuestión del archivo en las prácticas artísticas y museísticas contemporáneas”, dirigido por Xavier Antich Valera, UdG-Girona. Ha realizado diversas investigaciones en torno a las artes y feminismos recientes, en España y a nivel internacional. En 2014 presenta su tesis doctoral en la que analiza las implicaciones de la performance y la aparición del cuerpo para un análisis crítico del relato hegemónico de la historia del arte, a través del arte de acción producido durante los últimos años de la dictadura franquista. Como crítica de arte colabora con distintos medios especializados en España y Latinoamérica y ha escrito en diversos catálogos de exposiciones y monografías de artistas. Compagina la investigación y la escritura con períodos de docencia. Es editora de la revista “Pipa”.

JAVIER PEÑAFIEL (Zaragoza) 

Workshop:

“Híbrido, no multitarea”, Noviembre 2014

Programa:

La propuesta para el taller es interpretar las diferencias entre híbrido/multitarea y visibilidad/transparencia mediante nuestra capacidad (posibilidad) como especialistas y creadores visuales. Con numerosos ejemplos existentes en las creaciones actuales, refiriéndome a trabajos de la última década, crearemos un lugar de documentación que servirá como pretexto y premisa de unos ensayos creativos partiendo de la materialidad que proporciona el collage expandido en el que se reconocen muchos de los trabajos más recientes.

El artista utiliza un distanciamiento ácido, agudeza poética, implicación política y severa objetividad conceptual, para incidir críticamente en los mecanismos íntimos de construcción del individuo y de la política. Indaga en las consecuencias de los fallos de un sistema capitalista llevado a sus más extremas consecuencias. Frente a este mundo altamente cosificado y constreñido por las clasificaciones inventa nuevas categorías. Y entiende el dibujo como escritura y el texto como herramienta para vociferar el estado de cosas de la sociedad contemporánea (combina el dibujo manual y el digital, con las rotulaciones y pancartas). En 1999 crea el “Egolactante”, personaje a modo de “alter ego” para dar salida a las maníaco-dependencias y las contradicciones del sujeto contemporáneo, al que dota de numerosos micro-relatos e identidades múltiples.

Javier Peñafiel (1964. Zaragoza).Realiza dibujos, textos, pancartas, vídeos, guiones para performances y es autor de numerosas ediciones críticas. Es internacionalmente reconocido por su arte textual y gráfico, con el que canaliza los inquietantes ingredientes de la psique, en agudas parábolas sobre la sociedad actual, trabajadas desde la noción de “collage expandido”.

Trabaja en proyectos de larga duración como “Egolactante (1997-2007), o “Agencia de intervención en la sentimentalidad” (1997-2001), o el más reciente “Latido antecedente” (2009-2013). Ha expuesto en la “28ª Bienal” de Sao Paulo (2009), ha realizado la intervención externa del Pabellon de las Comunidades” de la Expo de Zaragoza (2008),en el Museo de Arte Contemporáneo/ MAC –Santiago de Chile (2013), en Foto Colectania- Barcelona (2014). Sus libros y publicaciones se plantean como co-laboratorios. Trabaja también en procesos curatoriales compartidos como “Voz entre líneas”. Ha escrito obras de teatro para video, como “Tragedia de las corporaciones. Ignorancia” (2000) o “Palacio Polifonía” (2010).

MABEL PALACIN (Barcelona)

Workshop: “Las reglas del Juego / el juego de las reglas / las reglas del juego”, Noviembre 2014

Propuesta:

Este Taller se propone revisar algunos de los complejos trabajos de la artista a partir de las reglas que los originaron y extraer conceptos que “permitan una puesta al día de los códigos que definen nuestro modelo de imágenes”.

La artista cuestiona la mediatización de la imagen y las formas de representación desde prácticas neo-conceptuales. Altera las reglas de la receptividad de la imagen por medio de la desestructuración de los procesos fílmicos, a la vez que se interesa por investigar las políticas de la imagen y por proveer a las imágenes de un nuevo status, con lo que busca el modo de hacer estallar las otras narrativas inscritas en su interior. Para ello utiliza una narrativa fragmentada en pantallas múltiples, donde combina un especial uso de la imagen fija y la imagen móvil, y establece complejas relaciones entre lo arquitectónico, la imagen y las audiencias.

De este modo, ha concebido unas reglas a modo de “manifiesto” con las que aborda temas como : la naturaleza multi-medial de la imagen, la noción de tiempo vinculada a la máquina, el punto de vista como elemento constructivo, la ciudad y el paisaje, la imagen y el lenguaje, la figura del espectador,…

Realiza fotografías, vídeos e instalaciones. Tiene una larga reputación internacional como artista que explora las posibilidades de los procesos fílmicos para recomponer la realidad.

Mabel Palacín (Barcelona, 1965). Vive en Turín (Italia). Es licenciada en Historia del Arte y en Cine, Fotografía y Vídeo por la Universitat de Barcelona. Ha expuesto recientemente en el Salvador Dalí Museum de St. Petersburg – Florida, Museo Colecçao Berardo -Lisboa, Museu Empordà -Figueres, Casino – Luxembourg, O.K. Center – Linz, Centre d’Art Santa Mònica y MACBA de Barcelona, Museo Patio Herreriano – Valladolid, Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis- Bregenz, Reykjavik Art Museum, Kunstbunker Tumulka – Munich, Norwich Gallery, Lothar Albrecht Galerie –Frankfurt, y Gal. Del Angels-Barcelona. En el año 2010 es seleccionada para representar el Pavelló Català en la “Bienal de Venecia”, con la Video – instalación “180º”. Ha obtenido, entre otros reconocimientos, el Premi ACCA de la Crítica d’Art 2009, la menció especial Premi Ciutat de Barcelona 2003 d’Arts Plàstiques , y el Premio Altadis de Artes Plásticas (2003).

PABLO LERMA (Barcelona- N.York)

Conferencia: “A Place to Disappear. Cap. 3 – Islandia”, Noviembre 2014

Contenido

“A Place to Disappear” es una investigación visual en tres capítulos acerca de la relación directa entre el paisaje como lugar primigenio y su vinculación con el ser humano a través de la idea de desaparición. Registros fotográficos y filmográficos, dibujos, material gráfico, materiales orgánicos y demás objetos, configuran y establecen un nuevo orden en la lectura del paisaje en cuanto a lugar en desaparición.

Paisajes utópicos en constante transformación y desaparición que guardan una vinculación directa con acontecimientos importantes en el hecho evolutivo humano, conservando el halo de lugar salvaje, intacto y virgen. Como describiría John Milton, podríamos decir que muchos de estos lugares son el “paraíso perdido”.

Su práctica artística se centra en la investigación de la imagen analógica a través de los conceptos de desaparición, erosión, cambio y tiempo, relacionados con el medio natural, el paisaje y las historias construidas alrededor de ellos. Creando estas compilaciones de materiales se generan archivos de imágenes y construyen nuevas narrativas que focalizan su interés en la producción de nuevos sentidos de la imagen analógica.

Biografía

Pablo Lerma (Barcelona, 1986). Vive y trabaja en Nueva York. Artista y docente en Institutos de Fotografía de N.York. Licenciado en la Facultad de Bellas Artes de la UB. Realiza estudios de fotografía en el Institut d´Estudis Fotográfics de Catalunya. Ha expuesto en N. York, New Spanish Photography-“Visions beyond borders (2014); en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2013), en Berlín, Gefühle der Sinne (2010), en Barcelona “Related Time” –REVELA+T Festival de Fotografía (2013), Waiting for the moment (2008), IKAS ART , Bilbao (2011), entre otras muestras. Ha sido premiado con la Beca Fundació Guasch-Coranty (2013) y seleccionado en diversos certámenes como “Loop’10”, SCAN Festival de Fotografía (2012), Fotointerpreta’09, CCCB. Ha editado varios libros de fotografía .

Artista postgraduado en el máster (línea ACI).

2013

“I Simposio Internacional
TOPOGRAFIAS DE LO INVISIBLE: Estrategias Críticas entre Arte y Geografía”, Noviembre 2013

Conferenciantes invitados: LARA ALMARCEGUI (Rotterdam), MARINE HUGONNIER (Londres), XAVIER RIBAS (Brighton), MIKE RICKETTS (Glasgow) y 16 ponentes de diversas nacionalidades seleccionados por el Comité Organizador, distribuidos en 4 paneles de debate, a partir de “call for papers”.

-Organizado por:
Máster “Producción e Investigación Artística” i Doctorat en “Estudis Avançats en Produccions Artístiques”. Universitat de Barcelona.

-Dirección: Teresa Blanch Malet (coordinadora del Máster, investigadora y comisaria de exposiciones)

-Coordinación: Eva Marín (doctoranda y artista)

http://www.topografiasinvisibles.com/programa/

Los textos de los 4 conferenciantes están recogidos en el libro “TOPOGRAFÍAS INVISIBLES. Estrategias críticas entre Arte y Geografía”. Universitat de Barcelona Edicions, Barcelona, 2015. ISBN: 978-84-475-3953-6

MARINE HUGONNIER (Londres)

Conferencia:

“Le cinema à l’estomac”

Trabajo artístico

Hugonnier es una de las video-artistas más reconocidas de Francia. Trabaja sobre la invisibilidad de un patrimonio cada vez más protegido e inaccesible, sobre la desmesurada ambición eurocéntrica para llevar el progreso industrial a diferentes lugares del mundo. Observa el paisaje como lugar de conflictos y fracasos políticos a través de una particular narrativa cinematográfica basada en la desnudez del montaje. Se acerca, críticamente, a las paradojas resultantes de los idealismos utópicos del siglo XX referidos al dominio territorial.

Sinopsis conferencia

En palabras de la artista “For this seminar I will show clips of four of my films (Ariana, The Last Tour, Travelling Amazonia, Apicula Enigma) and try to describe what informs, triggers and influences my work. I will take you through a thinking process which wants to understand how culture can be investigated through the materiality of a landscape, wants to study conventions of representations and renders (or mediate) all these thoughts, wonders and questions through film, which is my true passion”.

Biografía

Artista (París, 1969). Vive en Londres. Estudia Filosofía en la Universidad de París y Antropología en la Univ. de Nanterre y en el Fresnoy Studio National des Arts Contemporaines de Lille (Francia). Ha expuesto en Villa Romana (Florencia,Italia), Kunstverein (Braunschweig, Alemania), Die Tankstelle (Berlin, Alemania), Kontshall (Malmo, Suecia), FRAC Champagne-Ardenne (Reims, Francia), Gal. Nogueras Blanchard (Barcelona-Madrid), Centro Huarte (Pamplona), y en la 52ª Bienal de Venecia 2007.

MIKE RICKETS (Glasgow)

 Conferencia:

“Encounters and Spatial Controversies”

El trabajo de Ricketts explora el espacio urbano a través del desarrollo de proyectos en situaciones cotidianas, en particular en respuesta a las regulaciones y códigos espaciales.

Síntesis Simposium

En palabras del artista “Many contemporary commentators suggest that urban space and public space have no settled form, that they are forever subject to dispute and contestation. It follows that the spaces that most of us occupy, act in and pass through, day after day, are, if not overtly antagonistic, then somewhat fraught and compromised.

My practice responds to this territory by engaging with specific spatial controversies. Works emerge from personal encounters in the middle of things(Latour); they are developed in ambiguous situations already busy with other actors and agencies.

In “The Vessel” (2012-), for example, I recount my repeated attempts to access a private port to photograph a prison ship. “Cushion Distribution (Public Inquiry)” (2009) saw me jostling with a group of protestors gathered outside a government Planning Inquiry.

In developing works, I usually run into structures, boundaries and rules. Projects develop in reaction to these – in dialogue with the practices and priorities of others.

The form of my work has varied: recently, I’ve made objects, performances and a film, for example. Works have also appeared, and re-appeared in diverse contexts (fly-posted across a town; spoken on a windy cliff-top; hidden beneath an exhibition space…), shared with diverse audiences and publics.

In this talk, I will suggest that an open-ended and dialogical approach to practice in the moral thickets(Laurier) of everyday spatial situations can enable structures and relationships to be encountered and tested in their day-to-day operation – the twists, turns and wriggles of practice generating new materials, works and ideas”.

Biografía

Artista, escritor y docente(Sheffield, Inglaterra, 1971). Profesor en la Universidad de Glasgow, vive y trabaja entre Somerset y Londres. Estudió Historia del Arte en el Courtauld Institute of Art y Bellas Artes en el Chelsea College of Art and Design de Londres. Artista, escritor y profesor titular en el Máster en Historia del Arte y Prácticas Artísticas Mundiales(arte moderno y contemporáneo) en Christie’s Education London con la Universidad de Glasgow. Ha realizado exposiciones en Bristol, Cardiff, y en la Laura Bartlett Gallery en Londres. Mike Ricketts ha escrito también para publicaciones como: “Photo Works, Camera Austria y Inventory”.

XAVIER RIBAS (Brighton)

Conferencia:

“Traces of Nitrate”. Mining History and Photography Between Britain and Chile”

Trabajo artístico

Las fotografías e instalaciones de Ribas documentan los procesos de transformación de

las metrópolis contemporáneas. Interesado en el espacio público, la memoria, la regeneración urbana y el tiempo de ocio; a menudo se centra en aspectos poco visibles de la estructura y arqueología urbanas. Sus trabajos han abordado temas como las condiciones

de las periferias, el diálogo entre naturaleza y urbanismo y las geografías concretas con

una carga histórica significativa.

Sinopsis conferencia

“Traces of Nitrate. Mining History and Photography Between Britain and Chile”, es un proyecto desarrollado por el fotógrafo Xavier Ribas conjuntamente con la historiadora Louise Purbrick y el fotógrafo Ignacio Acosta en la Universidad de Brighton, con la ayuda de Arts and Humanities Research Council. El proyecto investiga el legado de la inversión británica en las minas de nitrato de Chile [1870s-1920s], así como su implicación en el

tráfico global. Mediante la exploración de sitios, archivos, objetos e imágenes, el proyecto sigue la ruta del nitrato desde su estado mineral, procesado en fábricas en el desierto de Atacama, pasando por su condición de mercancía y valor bursátil, para convertirse, finalmente, en parte del patrimonio material y simbólico de Gran Bretaña. Las fotografías de Xavier Ribas interrogan paisajes geográficamente diversos pero históricamente relacionados, de campos de nitrato remotos y de distritos financieros metropolitanos, y eventos en torno a ciertos momentos específicos de violencia.

Biografía

Artista y docente (Barcelona, 1960). Profesor en la Universidad de Brighton. Fotógrafo formado en antropología social y fotografía documental. Ha expuesto en Forum de la Image-Toulouse, Stedelijk Museum-Amsterdam, National Museum Of Contemp. Art-Bucarest, Aperture Gallery-N.York, Canton Photo Biennial, Encontros da Imagem-Braga, Artium-Vitoria, Jerwwod Space-Londres, Virreina. Centre de la Imatge-Barcelona, The Photographers Gal-Londres, ProjecteSD-Barcelona, Old Museum Arts Centre-Belfast, Centro Huarte-Pamplona, MACBA-Barcelona.

LARA ALMARCEGUI (Rotterdam)

Conferencia:

“Descampados, demoliciones y ruinas”

Trabajo artístico

Almarcegui es reconocida internacionalmente por sus series de demoliciones, autoconstrucciones y descampados, tratamientos en espacios sub-urbanos. Realiza intervenciones en espacios públicos abandonados, espacios de transición indefinidos entre los órdenes urbano y natural, a los que frecuentemente proporciona nuevos usos a partir de micro-acciones artísticas, como respuestas disconformes al modelo urbano actual. Investiga sobre las nociones de bien público, monumento y morada.

Sinopsis conferencia

Presentación de proyectos que cuestionan el urbanismo a través del estudio de lugares que se escapan a la definición de arquitectura o de ciudad. Estos lugares son descampados o edificios abandonados que como no corresponden con un diseño definido y están en situación de cambio, están abiertos a todo tipo de posibilidades. en algunos n proyectos Almarcegui identifica solares amenazados por grandes eventos señalando el interés de cada uno. Otros proyectos consisten en la acción de conseguir el permiso para abrir la puerta de solares de forma que el público pueda acceder a ellos. Por último, ha convencido a propietarios de descampados para que los dejen sin diseñar y sin construir para que queden protegidos como descampados para siempre.

Biografía

Artista (Zaragoza, 1972. Vive en Rótterdam). Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Cuenca, con estudios en la Fac. BBAA de Lisboa, ESBAL y en la Fac. de Arte de Hamburgo, HFBK (invitada por Werner Büttner), en la École des Beaux Arts de Nantes. Realiza un postgrado artístico en De Ateliers 63 de Ámsterdam. Becada por la Fundación Marcelino Botín y de la Fonds Beeldende Kunst de Ámsterdam. Sus intervenciones artísticas se extienden por numerosos países. Ha realizado intervenciones en Stedelijk Museum-Amsterdam, Fridericianum-Kassel, CGAC-Santiago de Compostela, Secesión-Viena, Centro CA2M-Madrid, MUSAC-León, Centre d’Art Contemporain Ivry-sur-Seine, Museo Boijmans-Rotterdam, 2ª Bienal de Atenas, Manifesta 9-Gante, Pabellón español en la 55ª Bienal de Venecia 2013.

– LARA ALMARCEGUI (Rotterdam):

Workshop:

“Ruinas, demoliciones y descampados” – Noviembre – diciembre 2013

Programa

El Taller propone una investigación de las zonas en transformación de la ciudad. La intención del taller es identificar zonas de la ciudad que están pasando un proceso de cambio, tanto con la experiencia de estar en el lugar, como realizando una investigación mediante la recolección de documentos acerca de esos lugares, la conversación con vecinos o usuarios.

Durante el primer día del taller los participantes propondrán lugares en transformación que iremos a ver el segundo día organizando así una visita por diferentes áreas de la ciudad. Intentaremos además reunir el máximo de información sobre estos lugares.

Los lugares que se tratarán y vamos a recorrer son aquellos que no responden a un diseño actual, como solares y descampados que están esperando un proyecto nuevo, terrenos de industrias obsoletas donde el proceso de regeneración urbana todavía no se ha completado, viviendas antiguas desocupadas y nuevos barrios recién construidos también vacíos, edificios que estén siendo demolidos o que se planee demoler.

Estos espacios son terrenos y edificios no funcionales que han perdido el uso inicial para el que fueron diseñados y han quedado como espacios inútiles de la ciudad. Dado que ya no corresponden con una función determinada, están abiertos a todo tipo de posibilidades. Observarlos es una forma de cuestionar y saber más sobre el futuro de la ciudad, sobre sus aspiraciones y fracasos.

Web: http://www.edbprojects.com/artists/lara-almarcegui/lara-almarcegui-work/

MARLA JACARILLA (Alicante)

Conferencia:

“Mecánicas, mitos y ficciones de la literatura del futuro”, Octubre 2013

Trabajo artístico

Artista (Alcoy, 1980) Desarrolla su obra mediante técnicas como la escritura, la performance, los cortometrajes y las videoinstalaciones. Busca continuamente nexos entre el arte plástico, las nuevas tecnologías y la literatura para desarrollar una narratividad fragmentada y salpicada de ficción que el espectador es invitado a recomponer.

Biografía

Ha participado en numerosas muestras colectivas desde 2011 entre las que destacan: Huidas. La ficción como rigor, Centro de Arte Contemporáneo Fabra y Coats (Barcelona, 2014); XIII Concurso Internacional Encuentros de Arte Contemporáneo, Museo de la Universidad de Alicante (2013); The Narrative Condition, Festival Art Souterrain (Montreal, 2013); Biennal d’Art Leandre Cristòfol, Centre d’Art La Panera (Lérida, 2013); Factotum, Fundació Tàpies (Barcelona, 2013); Disruptions, Galería Senda, (Barcelona, 2012); Pogo, Arts Santa Mònica (Barcelona, 2012); Pas de Deux, Private Space Gallery (Barcelona, 2012).

Artista postgraduada en el máster (línea ACI).

2012

FRANCESC RUIZ (Barcelona)

Workshop: “Un Workshop sobre narrativas colectivas y ficciones urbanas”,  Diciembre 2012

Trabajo artístico

Mediante tramas inacabadas de dibujos, Francesc Ruiz crea representaciones verosímiles de las formas de urbanismo social, traducidas en formas estandarizadas de conducta que las sociedades han desarrollado o tienden a desarrollar en los múltiples espacios de convivencia pública que la ciudad genera, tanto en la vida real como en la iconografía imaginaria del mundo impreso. Con estos dibujos, que a menudo se convierten en piezas murales de escala monumental, teje historias posibles, ficcionadas, tratadas con humor negro, que finalmente dejan entrever conflictos que podemos encontrar en toda construcción de colectividad urbana.

Programa

1ª SESIÓN : Aquí y Ahora. Construcción de Narrativas Colectivas.

A partir de algunos ejemplos extraídos del cómic, reflexionaremos sobre las posibilidades de generar narrativas de manera colectiva en tiempo real. Algunas estrategias adaptadas del “24h Comic Book” de Scott McCloud, junto a la lectura de “La Maison Close” de Ruppert et Mulot y “Stripis” de Pauline Fondevila y Francesc Ruiz, nos ofrecerán algunas pautas para generar algunos modelos posibles que experimentaremos en grupo, con el objetivo de construir un relato a partir del propio taller y sus participantes.

2ª SESIÓN: Ficción, Ciudad y Aquitecturas de Información.

En esta sesión trabajaremos sobre la manera de inscribir ficciones y relatos en la ciudad que se dirijan a los propios habitantes. Analizaremos arquitecturas de información urbanas y sus modos de distribución: kioscos, publicidad, prensa gratuita, flyers, realidad aumentada. Como caso de estudio, utilizaremos algunos proyectos recientes de Francesc Ruiz como “The Paper Trail” localizado en El Cairo, o “Gasworks Yaoi” sobre el barrio gay de Vauxhall, Londres. El objetivo es elaborar varias narraciones posibles de ser llevadas al espacio público.

Biografía

Artista (Barcelona, 1971). Vive y trabaja en Barcelona. Ha realizado exposiciones en el Nosbaum & Reding Art Contemporary, Luxemburgo, 2009, el New Museum, Nueva York, 2010, Galería Estrany-de la Mota, Barcelona,2011 ; Museu d’Art Contemporani de Barcelona MACBA, 2010; ha participado también en la Ljubljana Bienal of Arts de Ljubljana, Eslovenia, 2009 y con “Methaphors of Un/Real” en la Animamix Bienal” ’09-’10, Shanghai.

Web: http://www.estranydelamota.com/artistas.php?artista=FrancescRuiz

JORGE FERNANDEZ (Cuba)

Seminario:

“XI Bienal de la Habana: Tensar la Esfera Pública”, Noviembre 2012

Teórico y comisario de larga trayectoria internacional, altamente implicado en la ideación y organización de las bienales Internacionales de La Habana y comprometido con la difusión del arte contemporáneo analizando los aspectos dialécticos entre el arte latinoamericano y europeo, la historia y las implicaciones sociales del arte.

Programa

Un recorrido por los conceptos que han acompañado la fundamentación teórica de la “XI Bienal de la Habana”: el diseño curatorial del evento y la presentación de su puesta en escena, con especial interés en la relación arte-público y en aquellas piezas que estimulan la inserción social y la participación ciudadana.

Se mostrará buena parte de la documentación de las principales obras.

Biografía

Teórico, comisario y docente (La Habana, 1965). Licenciado en Historia del Arte, Universidad de la Habana, Director del Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam. Director de la XI Bienal de La Habana. Profesor de Estudios Teóricos sobre el Arte del reconocido Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA). Conferenciante en universidades europeas. Curador de numerosas exposiciones nacionales e internacionales: Pabellón Cubano en la “ 54 edición de la Bienal” de Venecia (2011), “Después del fin del arte”, Colección Del MU KHA de Amberes, Bélgica (Centro Wifredo Lam, 2009), “Imágenes de multimedia en un mundo complejo” (Granada, Buenos Aires, Ciudad México, La Habana, 2008), “Habana- ISA Club” (7ma Bienal de la Habana, ISA, 2000), “Los héroes de la plástica cubana” (Galería San Antonio Abad, 1996).

NURIA GÜELL (Barcelona)

Conferencia:

“Arte político-social”, Octubre 2012

Artista (Vidreres, 1981) El trabajo de Núria Güell analiza como los dispositivos de poder oprimen y afectan a la subjetividad sometiéndola, específicamente a través de la legalidad establecida y la moralidad hegemónica. 

El coqueteo con los poderes establecidos, los privilegios del mundo del arte así como los otorgados socialmente y la complicidad con diferentes aliados son los recursos en los que basa sus operaciones artísticas, que diluyéndose en los límites de su propia vida se desarrollan como tácticas disruptivas en contextos específicos; con el objetivo de subvertir las relaciones de poder impuestas y cuestionar las identificaciones asumidas.

Artista postgraduada en el máster (línea ACI).

–ANTONIA DEL RÍO (Barcelona)

Conferencia:

“La Biblioteca infinita”, Octubre 2012

 
Artista (Capdepera, Mallorca, 1983) Vive y trabaja en Barcelona. Estudió Bellas artes en la Universidad de Barcelona. Su trabajo ha sido expuesto en varios espacios y seleccionado en convocatorias como *Can *Felipa Artes Visuales, Centro de Arte Tecla Sala, Capilla de Santo Roc de Valls, Bienal de Valls o, entre otros, el Museo de arte moderno y contemporáneo Se Baluarte. El 2010 fue la artista seleccionada al proyecte Triángulo del Consejo de Mallorca y recibió la beca de producción de la Fundación Suñol para realizar el proyecto Xiu-xius en blanco. La biblioteca ausente, Nivel Cero Fundación Suñol (2011). Compagina su tarea creativa trabajando a Experimentamos con el ARTE como responsable de la programación y la residencia de artistas.

Artista postgraduada en el máster (línea ACI)

LAIA ESTRUCH (Barcelona)

Conferencia

“Arte y Performance”, Octubre 2012

Artista (Barcelona el 1981) Vive y trabaja en esta ciudad. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y en 2010 fue seleccionada para realizar el último año de licenciatura en la universidad The Cooper Union (Nueva York). En Estados Unidos desarrolló los proyectos The Lecture y Serendipity. Además, es autora de otros proyectos como Gerard Quintana canta para mí (Espace Cultural Ample), No es posible lo que vivo (NauEstruch) y Serendipity (Sala de Arte Joven). Tras inicios centrados en la fotografía, el diseño gráfico y la escultura, su producción se ha orientado progresivamente hacia la performance. Su último proyecto, jingle, en el marco expositivo de BCN Producció ‘11, convierte el Espai Cub de La Capella en el escenario desde el que relata, metareferencialmente y cantando, el proceso de su proyecto.

Artista postgraduada en el máster (línea ACI).

2011

PAULINE FONDEVILA (Brasil)

Curso:

“Mapas, relatos, islas y canciones: una enciclopedia en construcción”, Octubre2011

Trabajo artístico

La apropiación, la reescritura, el copyleft, la compilación y la mezcla configura el universo alucinatorio de Pauline Fondevila. Las referencias al mundo que Pauline proyecta en sus dibujos murales e instalaciones, por medio de imágenes, textos, posters, fotografías, videos y conferencias forman un “corpus” cinemático a partir de una visión fragmentaria y tumultuosa que hace un uso cotidiano del trabajo de “otros”, como señales mediáticas re-versionadas para propulsar una paradójica narrativa de ensueño. Maliciosos poemas gráficos combinan imágenes, datos y músicas escapadas de una memoria inmediata, que se despliega sin fin en exaltadas tramas de relatos y situaciones imaginarias, en las que son convocados tantos otros pensadores del arte, la literatura y el cine.

Programa

-1er. encuentro: un escritor sin libros

Sobre el trabajo del artista, su búsqueda, su imaginario, sus obsesiones, sus experimentos, sus métodos, sus herramientas y sus dudas. El método de trabajo como el de “un copista medieval, un enciclopedista iluminador y un escritor que no escribe”.

-2º encuentro: los marineros perdidos

Sobre la vida y algunas de las obras de obras de artistas como Bas Jan Ader, Edouard Levé, Daniel Jonston, Odilon Redon, Martí Anson, Fernando Traverso, Ester y Jochen Gertz, Carol Dunlop y Julio Cortázar, On Kawara, Michael Tramoy, Adrian Villar-Rojas, Françoise Hardy, Robert Smithson, Samuel Labadie, entre otros. El relato autobiográfico, la desaparición programada de una obra, el artista como personaje, el imaginario colectivo, la utopía,…

Biografía

Artista (Francia, 1972). Vive y trabaja en Rosario, Argentina. Diplomada en la ENBA de Lyon en 2002. Ha realizado exposiciones en La BF15, Lyon, FR, 2005 (Metacomics); “Laboratorio 987”, Musac, León, 2006; Salon de la Sucriére, Lyon, 2007; 6ª Biennal Leandre Cristòfol, Lleida, 2007; Centre d´Arts Plástiques, Saint-Fons, FR, 2008; Salon du Dessin Contemporain, Carreau du Temple, Paris, FR, 2009; Arts Le Havre. Biennale d´Art Contemparoin du Havre, BG, 2010; Museo Diario de la Capital Rosario”, ARG, 2011; Gal. Estrany- de la Mota, Barcelona, 2011

Web: http://www.paulinefondevila.com/es

DORA GARCÍA (Bruselas)

Workshop:

“Low Tech Stories”, Noviembre / diciembre 2011

Trabajo artístico

Usa el espacio de exhibición y el espacio público, como plataforma para investigar las relaciones entre obra/ actor/autor/artista/ visitante/ contexto, por medio de estructuras narrativas mutantes. La artista trabaja haciendo uso de la interactividad y la performance, creando personajes por medio de guiones abiertos que se funden con el natural curso de los acontecimientos. Diseña así complejos “encuentros” que interpelan a la audiencia, en confusos juegos de representación, que niegan la dicotomía entre realidad y ficción. “Situaciones” de renuncia de sentido, que subvierten también los clichés de conducta que se dan en el propio mundo artístico.

Programa

¿Por qué la alta tecnología no disfruta de credibilidad en el arte contemporáneo?. Muchas explicaciones se han dado en torno a esto: ¿Por qué el arte contemporáneo más radical exhibe una cierta aversión a la alta, o nueva, tecnología? ¿Por qué el arte tecnológico descansa sobre presupuestos artísticos más bien conservadores? En mi opinión, el encanto del Low Tech debe mucho a la idea de escultura social (todo el mundo es un artista) y en un segundo tiempo a la idea de usuario y subversión.

Biografía

Artista y docente (Valladolid, 1965). Formada en la Universidad de Salamanca y en la Rijksakademie de Ámsterdam, vive entre Bruselas y Barcelona. Docente en diversas escuelas de arte europeas. La artista, de gran proyección internacional, ha realizado exposiciones individuales en el FRAC de Bourgogne de Dijon (2005), en el CASM de Barcelona (2007), en el CGAC de Santiago de Compostela(2010), en la Schirn Kunsthalle de Frankfurt (2009), en el MACBA, Barcelona (2009), y en la Kunsthalle de Berna (2009), en el “Skulptur Projeckte” de Münster del 2007, en De Appel Museum de Ámsterdam (2009), y en la Bienal de Sao Paulo del 2010.

Web: http://www.doragarcia.net

OCTAVI COMERON (Barcelona)

Seminario:

“El artista como trabajador”, Diciembre2010 

Trabajo artístico

Su trabajo busca una nueva forma de integrar investigación con producción desde la conciencia del artista como nuevo obrero de una realidad cultural post-industrial. En 2000 edita “PAC 1 (Publicació d´Art Contemporani)” un proyecto independiente que proponía un nuevo espacio de confluencia y debate para el pensamiento contemporáneo y para iluminar zonas en tensión de la práctica artística actual, con textos de Hans-Ulrich Orbist, Giorgio Agamben y José Lebrero Stals, entre otros. En los últimos años ha realizado la “Post Ford Trilogy” – Die Gläserne Manufaktur, Blue-collar Suite No.2: Lear’s Song y The Ballade of the Use Value – donde los escenarios laborales devienen espacios biopolíticos para el análisis, reflejando y siendo reflejados por la práctica estética.

Programa

Dimensión económica, política y estética de la práctica artística, desde un posicionamiento crítico en tanto que artistas-productores. El productor de arte como artista/editor/investigador de las relaciones entre el arte y las formas de la economía colectiva. La instalación como “pequeños sistemas” que implican una lectura del marco económico y las formas de trabajo y producción concebidas para cada proyecto.

Biografía

Artista, teórico y docente (Mataró, Barcelona, 1965-Barcelona 2013). Doctorado en la Fac. de BBAA de Barcelona, profesor de la misma desde 1993 hasta 2009 y posteriormente en la Universidad de Vic. Ha expuesto “Normal”, en la Sala Montcada, Fundació La Caixa, Barcelona, 1990, en “Otros retratos”, Gal. Salvador Díaz, Madrid, 2000, “Outsourcing” (Institute of Internacional Visual Art, Londres,2003) y en “Glaskultur” (Koldo Michelena, San Sebastián y Centre d’ Art La Panera, Lleida, 2006-07). Ha publicado el libro de ensayo ”Arte y Postfordismo. Notas desde la fábrica transparente”, Trama Ed., 2007, a partir de su Tesis Doctoral.

Web: Su obra está custodiada actualmente por el MACBA

http://www.macba.cat/ca/inici

JOAO ONOFRE (Lisboa)

Workshop:

“Video: un formato documental expandido” 2010 – 2011

Trabajo artístico

Sus fotografías, videos y acciones performáticas, involucran colectivamente a profesionales de distintos sectores de la sociedad (colectivos de bailarines, enterradores, aspirantes a actor, corales, bomberos, grupos de rock,…), a los que fuerza a acciones que dan a ver lo oculto o debilitan los puntos fuertes de cada uno de ellos, haciendo referencia también en muchas ocasiones –de un modo irónico- a míticas del arte contemporáneo que nos preceden. Con un uso alargado del tiempo aplicado a sus coreografías provoca extenuaciones y fracasos físicos, devolviendo la corporalidad a sus propios ciclos de ofrecimiento y desfallecimiento,  con alusiones implícitas al cansancio icónico de nuestro siglo.

Programa

Taller basado en la idea del vídeo como formato documental expandido dentro de las artes visuales, con sus diversas ramificaciones en los otros dominios artísticos y una estrecha interrelación con los estudios culturales. Se estudiaran ideas inherentes al vídeo como medio que ha venido desarrollándose en los últimos 40 años, se situará históricamente el Arte Performático como base en el proceso de la aparición del mismo (1968), se establecerán puentes con el teatro (Beckett), la ópera (Puccini) y diversos géneros de música popular como el jazz, el folk o los blues (Simone). Todo ello se trabajará analizando, a su vez , el problema post-estructuralista de la noción de autoría.

Biografía

Artista y docente (Lisboa 1976).Vive y trabaja en Lisboa. Formado en el Goldsmiths College de Londres y  en  la Fac. de BBAA de Lisboa. Uno de los jóvenes artistas portugueses de mayor proyección internacional. Docente en diversas universidades europeas. Ha participado en  “Performing Bodies”, Tate Modern, Londres, 2000, en “Human Interest”, Philadelphia Museum of Art, Ph. , 2002, en “Influence, Anxiety and Gratitude”, MIT-List Visual Art Centre, Cambridge MA, 2003. Ha expuesto individualmente en P.S.1. MOMA Contemporary Art Center, N. York, 2001, “Nothing will go wrong”, CGAC de Santiago de Compostela, 2003, en la Gal.Toni Tàpies, Barcelona y ha realizado una intervención frente al MACBA, durante el Festival de Video “Loop-Art”, Barcelona, 2010.

Web: http://www.joaoonofre.com/

2010

PEDRO ORTUÑO (Universidad de Murcia)

Seminario:

Videoarte e imaginario transcultural: espacios de (in)visibilidad, Noviembre 2010

Trabajo artístico

En sus vídeo-instalaciones, Pedro Ortuño establece relaciones entre las posibilidades metafóricas del funcionamiento de la imagen y la conceptualidad crítica de la realidad. Su narrativa se despliega en el espacio a modo de traslaciones simultáneas de retazos de realidad, sin voluntad de conducción discursiva. Ha investigado en profundidad los mecanismos de la industria cinematográfica de Bollywood, en contraste con el cine alternativo de a pie en la sociedad hindú, por medio de complejas instalaciones de proyecciones fílmicas autónomas, que articulan una eficaz trama de perspectivas simultáneas. Aborda temas relativos a la discriminación de la mujer, la censura, el poder social de los actores, …En estos episodios fílmicos ha involucrado a productores, directores, actores, investigadores, para ofrecer la cara oculta de esta gigantesca forma de proyección de poder del estado, diseñada para “entretener” a la ciudadanía.

Programa

Estudio de los espacios de invisibilidad en la sociedad actual. Se analizarán los mecanismos, realidades y espacios marginales donde la (In)visibilidad sigue siendo el común denominador. El arte conceptual en la teoría de los medios y el concepto de instalación y video en la actualidad, revisando antecedentes de los años 70. Los usos del videoarte y el imaginario transcultural, formas de construcción de nuestra imagen social y sus repercusiones.

Se propondrá el estudio y desarrollo de un proyecto entre práctica artística y subjetividad crítica dentro de una coyuntura histórico-social y cultural de género, inmigración y marginación.

Biografía

Artista y docente (Valencia, 1966). Doctor en BBAA por la Univ. Politécnica de Valencia, formado en el DCTV Downtown Community Television Centre.,N.York y en la Staatlichen Kunstakademie de Düsseldorf, entre 1993 y 1997. Es profesor de la Facultad de BBAA de la Universidad de Murcia. Ha realizado exposiciones individuales en Sala Metrónom, Barcelona (2002), Sala de Verónicas, Murcia, Zuider Zeemuseum Enkhuizen, Holanda (2007). Realiza un proyecto público en el Metro de N.York en 1993-94. Ha participado en exposiciones comisariadas en “Museo San Telmo, Donostia (1990), Sala Parpalló, Valencia (1997), Fundació Espais Girona y Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires-Argentina (2002), “4ª Biennal d´Art Leandre Cristòfol” –Centro de Arte La Panera -Lérida (2004), Museo Patio Herreriano-Valladolid y MNCARS-Madrid (1996 y 2006),y Centro Párraga ,Murcia (2007).

Web: http://www.pedrortu.com

2009

JANA STERBAK (Montréal, Canadá)

Workshop:

“Analitycal Imagination”, Noviembre 2009

Trabajo artístico

La artista crea imágenes sobre la privacidad del sujeto humano en una personal combinación de aspectos políticos, biológicos, mitológicos y personales, con un trabajo que propone en una de las observaciones antropológicas más poéticas y radicales en los últimos años. Desde sus primeras performances, introduce en su obra exploraciones bio-tecnológicas, que han derivado en complejas video-instalaciones concebidas en torno a la mirada del otro, que reactivan aspectos del cine experimental. La mutación de las apariencias domina las esculturas, acciones y videos de la artista.

Programa

Curso dirigido a tratar sobre las limitaciones del hombre social y libre y sobre la naturaleza contradictoria de los progresos de la humanidad.

Además de ayudar a generar dispositivos útiles para la puesta en contexto real de los proyectos artísticos personales.

Con visitas programadas al Monasterio de Montserrat y al Zoológico de Barcelona

Biografía

Artista checo-canadiense de proyección internacional (Praga,1955). Vive y trabaja entre Montreal y París. En 1989 está presente en la “Bienalle canadiense d’art contemporain” de Ottawa, y sus primeras obras pueden verse en Europa desde 1991. Ha representado al Pabellón de Canadá en la Bienal de Venecia de 2003, ha expuesto “J. Sterbak: Velleitas” en la Fundación Tàpies, Barcelona y Serpentine Gallery, Londres, 1996, en la Bienal Internacional de Praga, 2005, y “J. Sterbak: De la Performance al Video” (Museo Artium- Vitoria y “Carré d’Art”, Nîmes, 2006)

Web: http://www.janasterbak.com

RIRKRIT TIRAVANIJA (Argentina-N.York))

Workshop:

“Disruption A”, Noviembre 2009

Trabajo artístico

Su trabajo es difícil de categorizar y en cierto modo como “artista visual” el término no le representa con exactitud. Como él dice, ” no es lo que se ve que es importante, sino lo que tiene lugar entre la gente ‘. Las obras de Tiravanija tienden a establecer el escenario, para ofrecer una oportunidad o una posibilidad de interacción y participación. El talento que tiene para la interacción durante el viaje entre las diferentes culturas y costumbres se ha transformado en una comprometida y atractiva actividad, dentro de la práctica del arte. Se integra el flujo de su vida itinerante en espacios de museos y galerías de arte, destruyendo con eficacia la división entre el arte y la vida.

Programa

• Dirección: Rirkrit Tiravanija / Martí Peran
• Coordinación: Josep María Martín

• Organiza: “Pole Art Action (Haute Ecole dÀrt et Design de Ginebra) i la Heart (Haute Ecole d’Art de Perpinyà)

• Lugar de realización del workshop: Centro de Producción Can Xalant (Mataró – Barcelona)
• Participantes: Ecole dÀrt et Design de Ginebra(10 estudiantes) / Haute Ecole d’Art de Perpinyà (10 alumnos) / Escuela Massana y Facultad de Bellas Artes “Master de Producciones Artísticas e Investigación” (10 estudiantes)

El taller se plantea como una plataforma de encuentro e intercambio entre grupos de estudiantes de arte de distintas ciudades (Ginebra, Perpignan, Barcelona)

El punto de partida es la irrupción del grupo en el espacio específico de Can Xalant con el objetivo de permanecer en el centro durante una semana para producir unos trabajos para ser presentados públicamente durante la última jornada.

El taller gravita sobre la idea de crear c olectivamente un espacio común, con las necesarias negociaciones que han de permitir acordar unos modos de estar juntos. El horizonte de salida del taller es, pues, la producción de un acontecimiento colectivo de carácter experimental y productivo. Construir un lugar y diseñar las maneras para su saturación.

El objetivo del taller es favorecer que el acontecimiento reverbere en múltiples direcciones gracias a una pluralidad de centros de acción: la auto-organización del grupo, la ocupación espacial, la definición de los objetivos inmediatos, la documentación del proceso, la presentación pública.

Biografía

Artista- Nacido en 1961, Buenos Aires, el artista tailandés Rirkrit Tiravanija es ampliamente reconocido como uno de los artistas más influyentes de su generación. Su trabajo desafía la descripción basada en los medios, su práctica combina fabricación tradicional y objeto, espectáculos públicos y privados, la enseñanza, y otras formas de servicio público y acción social. Ganador del premio Absolut Art Award 2010 y el Premio Hugo Boss 2005 otorgado por el Museo Guggenheim, Tiravanija también ha sido galardonado con el Premio Benesse por el Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima en Japón y el Premio Artista Lucelia del Smithsonian American Art Museum.

DANIEL CHUST PETERS (Barcelona)

Workshop:

El Taller en la dinámica artística. Nuevas concepciones”, Noviembre 2009

Trabajo artístico

Su trabajo artístico se basa en la particularidad de su método de trabajo. Desde el año 1990 reproduce su taller, su hábitat de trabajo, despreciando cualquier otra idea, para no idealizar espacios nuevos. Representa una y otra vez la imagen de su taller, con modificaciones que vienen dadas por la negociación con otros organismos abstractos, tal como los considera el artista, que son las instituciones. Las relaciones entre ambos condicionan tanto la estructura física como el contenido del taller final, de manera que reinventa continuamente un mismo territorio. El taller como “espacio” reexplorado de trabajo se transfigura en hibernáculo, joyería, desplegable,…La interacción entre ideación y autocensura se alían en un proyecto que pone énfasis en el “lugar” del trabajo del artista como “obra”, devolviéndole la importancia que tuvo en épocas históricas.

Programa

El workshop profundiza en aquellos artistas que han reflexionado sobre la obra y el taller como parte de una misma dinámica artística (el Taller como Soporte/ el Taller como Obra). Workshop práctico con referentes teóricos. El workshop es una aproximación a la práctica artística condicionada por el espacio de producción. Quiere fomentar la reflexión sobre las prácticas artísticas y ver la idea de taller desde una postura social. Se revisará cómo los artistas han incorporado la idea de taller en sus diferentes trabajos y se acercará al alumno a la ampliación hacia nuevas funciones y conceptos que generaciones más recientes han incorporado a la noción de taller.

Biografía

Artista y docente (Sao Paulo, Brasil,1965). Vive y trabaja en Barcelona. Ha sido becado por la Fundación Marcelino Botín y por el “Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques” en París. Ha realizado distintas exposiciones individuales en ciudades españolas y francesas y sus obras han estado presentes en Exposiciones internacionales como “Creuats”, CCCB, Barcelona (2003), “Settelments” Museé d’Art Moderne, Saint-Etienne, Francia (2004) “Bienal Internacional de Praga” (2005), “Passer By” Artist’s Studio Gallery, Tel Aviv, Israel y “Micro-Narrativas”, The 25th May Museum, Belgrado, Serbia (2007)

Web: www.arte-sur.org/es/artistas/daniel-chust-peters-2

LUIS BISBE (Málaga-Barcelona)

Workshop:

“Redoblar la realidad“ Noviembre / diciembre 2009 – 2011

Trabajo artístico

Luis Bisbe trabaja usualmente con objetos cotidianos, generando situaciones de extrañeza en el espacio interior o público, alterando sus usos y contraviniendo la univocidad de sentido que les atribuimos. Observador de las paradojas que se dan en la vida cotidiana, se manifiesta como atento recolector de mensajes contradictorios, de ironías involuntarias y de objetos disfuncionales. Hace uso de ligeros desplazamientos que desestabilizan la percepción de las cosas, por medio de lo que él mismo denomina “medios desusados para la representación”, que desencallan los significados únicos de la iconografía que nos envuelve. Busca liberar al espectador de la fijada relación con los espacios y las cosas, a través de micro-rebeliones.

Programa

Curso dirigido a despertar la conciencia sobre el depósito de imágenes del mundo que nos rodea (como instalaciones de “realidad”) y sobre el potencial crítico que se puede aplicar a las mismas, A partir de alteraciones mínimas sobre lo que nos rodea, tomando como materia prima el propio aula se realizarán propuestas fáciles, económicas, rápidas, concretas, limitadas en el tiempo y en el espacio del propio curso con objeto de ser analizadas exhaustivamente desde múltiples puntos de vista hasta su agotamiento semántico.  Teniendo por objeto intensificar la conciencia tanto en el momento de la recepción como en la fase de la concepción y producción para dotar al artista de una herramienta útil y fiable.

Biografía

Artista y docente (Málaga,1965). Vive y trabaja en Barcelona. Licenciado en Bellas Artes en la Universitat de Barcelona. Ha realizado exposiciones individuales: “Autoreverse”Art3 Valence, Francia, 2002, “Pretecnología punta” en el CAC de Málaga, 2003, “Join Us” en el CASM de Barcelona, 2006, “La Casa encendida”, Madrid, 2009, y en las exposiciones colectivas “A Louer#”, Lyon, 2009, y Bienal de Arte Paiz, Guatemala.

Desde 2012 es profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

Web: http://luisbisbe.com

JOAQUIM CHANCHO (Universidad de Barcelona)

Seminario:

“Organismos y campos de expresión multicapa” Noviembre / diciembre 2008 – 2010

Trabajo artístico

Uno de los más destacados pintores abstractos españoles, que dota a sus pinturas de unas relaciones tonales, luminosidad y vibración basadas en una personal consideración de la temporalidad y del multicromatismo. Su lenguaje constructivo retoma elementos de la abstracción moderna y se compromete con un sistema de retículas experimentales basado en la sustracción y las pequeñas variaciones de la línea y la trama, que conforman redes en las que atrapar la duración del proceso de intervención sobre la tela. Sedimentación de acciones verídicas a modo de metáforas sobre el vulnerable laberinto de la vida. Una pintura severa, inconformista y despojada de la traducción de lo visual, que provee de un profundo vitalismo a las reiteradas acciones pictóricas desplegadas.

Programa

El escenario contemporáneo entendido como multiespacio, las precepciones multivalentes, la naturaleza arrítmica del “lugar”, concebido como topología dinámica. Estos temas serán tratados mediante selectivas escuchas sonoras de música experimental, de destacados compositores internacionales de las últimas décadas.

Biografía

Artista y docente (Riudoms, Tarragona,1943). Formado en la Escuela de BBAA, Catedrático de la Facultad de Bellas Artes y profesor de la misma desde 1973 a 2013, donde puso en marcha el Máster Oficial “Producciones Artísticas e Investigación”, en 2006. Ha expuesto en “Pintura I”, Fundació Miró, Barcelona, 1976, en “El Gravat de creació”, Centre Cultural La Caixa, 1983, en “Constantes del arte catalán”, Museo Rufino Tamayo, México, 1991, en “Superficie y color. Pintura dels anys 70 a Barcelona”, 1997, MACBA, “J. Chancho: Prospectica 1973-2003” (Centro de Arte Tecla Sala, L’Hospitalet, Barcelona), en “Límits de la Percepció”, Fundació Miró, Barcelona, 2002, “Tiempo sobre Tiempo”, CAB, Burgos, 2004, y en Fundació Vilacasas i Col·legi d’Arquitectes, Barcelona, 2009.

Web: http://www.joaquimchancho.com

Dr. JOSE ANTONIO SARMIENTO (Universidad UCLM, Cuenca)

Seminario:

“Estudios de la evolución del uso artístico del sonido y la voz” 2008 –2011

Trabajo Teórico

Teórico experimental que destaca por haber estudiado en profundidad las imbricaciones entre arte y tecnología sonora de la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. Es importante su investigación teórica experimental respecto a la evolución del arte sonoro y por el exhaustivo archivo sonoro que ha recopilado.

Programa

Estudio de la evolución del uso artístico del sonido y la voz desde los años sesenta hasta la actualidad. Temporalidades radiofónicas y su experimentación. La incidencia de la tecnología en las dos últimas décadas. Se trata de proporcionar un marco teórico referencial que muestre cronológicamente las aportaciones de las diferentes tendencias o movimientos artísticos, desde el futurismo a la actualidad, basándose fundamentalmente en las obras de sus creadores más significativos.

Biografía

Teórico y docente (Las Palmas de Gran Canaria, 1952) Es profesor de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla-La Mancha y Director del “Centro de Creación Experimental” de la misma . Teórico experimental que ha realizado ponencias en Congresos de “Arte y Tecnología”, y en Bienales Internacionales de Radio (México). Impartió durante 5 años cursos en la UCLM de Nuevas Prácticas Culturales y Artísticas. Es miembro del equipo investigador del proyecto “Espacios imaginarios: Recursos digitales para el sonido y la imagen en su aplicación creativa al Planetario del Museo de las Ciencias de Castilla La Mancha”

Web: http://www.uclm.es/cdce/Sarmiento-Clase/Sarmiento.html

PATRICIA DAUDER (Barcelona)

Workshop:

“Representaciones de espacio y tiempo en la imagen” Noviembre / diciembre 2008-2010

Trabajo artístico

El trabajo de Patricia Dauder se caracteriza por hacer exploraciones conceptuales en la propia génesis de las imágenes como forma de construir nuevas visiones de la realidad que invierten los procesos de captación de la misma, en un intento de devolver a un grado cero sus formas adulteradas y sustituirlas por un espacio visual autónomo donde se des-subjetiva la mirada. La artista trabaja con el soporte dibujo y con la imagen fílmica como medios para desmaterializar la imagen y sustraerla de sus significados y clichés habituales. Con depurados ejercicios de observación y análisis formaliza representaciones mentales que se resisten a la narración.

Programa

Experimentos psico-perceptivos en la construcción del montaje cinematográfico. Espacio-edición-percepción-tiempo. Stasis/Movimiento. Evolución en el uso del medio cinematográfico que artistas plásticos e investigadores han llevado a cabo a lo largo de 125 años. Conceptos inherentes a la noción de repetición.

Biografía

Artista y docente (Barcelona, 1973). Licenciada en Bellas Artes y formada en Ateliers Arnhem, Holanda y en la Hogeschool voor de Kunst en Vormgeving, S’Hertgenbosch, Holanda. Ha expuesto en “Historias Diferidas” (Sala Alcalà, Madrid, 2002), en “Los tiempos del lugar” (Museo CDAN, Huesca, 2008), en “Prospect 58”, Hessenhuis, Antwerpen, Bélgica, 2008; en el Museo de l’Empordà, (Figueres, 2008), en la sección “Statements” (Bienal de Basilea, 2009), “Horizontal/Orbital” en Fundación Suñol-Nivell Zero, Barcelona, 2009 y “Teahupoo”, ProjecteSD,(Barcelona, 2010).

Desde 2011 es profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

Web: http://www.projectesd.com/index.php/artists/works/dauder_patricia

JOSEP CERDÀ (Barcelona)

Seminario:

“Las ideas motrices y prácticas de los registros sonoros” Noviembre / diciembre 2008-2009

Programa

El arte sonoro surge a principios de siglo XX con la eclosión del movimiento futurista italiano y las primeras vanguardias musicales. Su evolución posterior transcurre paralela a un incesante desarrollo de la tecnología electrónica. Su naturaleza híbrida y, a menudo, su compleja delimitación conceptual, no han impedido, a pesar de todo, la efectiva emergencia de una serie de planteamientos estéticos que comparten una voluntad primordial: el uso artístico del sonido. El seminario analizará formas de almacenamiento y ordenación de ambientes acústicos en instalaciones de arte sonoro. Derivas cartográficas, espacios de resonancia y fuerzas electromagnéticas.

Formas de almacenamiento y ordenación de ambientes acústicos en instalaciones de arte sonoro.

Biografía

Artista y docente (Tarragona, 1954). Licenciado en Bellas Artes. Es profesor de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Fue Decano de la misma entre 2001 y 2004. Director del Taller de Escultura Ambiental Ouroboros/Fbg/UB del Centro de Innovación de la UB. Ha realizado esculturas públicas en diferentes ciudades e instalaciones sonoras en el espacio natural. Dirige el Archivo Sonoro “Observatorio de Paisaje” de la Generalitat de Catalunya.

Web: http://josepcerda.blogspot.com.es/

http://artsonor.blogspot.com.es/

2008

CARLOS GARAICOA (La Habana, Cuba)

Workshop:

“Arte y Contextos Urbanos”, diciembre 2008

Trabajo artístico

Con su trabajo multidisciplinar aborda temas de la cultura y la política, vinculados a los sustratos urbanos, en los que se entrecruzan el estudio de la arquitectura, del urbanismo y de la historia. A partir de la ruina real de las ciudades construye mundos posibles poniendo a la vista contradicciones internas de los modelos arquitectónicos de liberación y avanzada. Se adentra en las rigideces de la ciudad y se desliza por la crónica fatal de sus memorias, reinventándola de nuevo propugnando sutiles contradicciones entre el espacio público y privado. Su obra estableces juegos de lenguaje que trastocan los límites entre ficción, utopía y realidad.

Programa

Una aproximación al debate acerca del estado del contexto artística actual y un replanteamiento de este, propiciando alternativas (sistemas y metodologías) dentro de las prácticas urbanas para devolver el arte al centro del debate crítico de la sociedad contemporánea.

Biografía

Artista (La Habana, 1967) de gran proyección internacional. Formado en Estudios de Termodinámica. Ha realizado múltiples intervenciones y performances en el espacio público y proyectos colectivos site-specific, entre ellos el de la Trienal de Echigo-Tsunami en Japón. Ha participado en las ediciones IV y V de la “Bienal de la Habana”, “Más allá del documento”(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MNCARS), en la Documenta XI, Kassel, Alemania. El MOCA de Los Ángeles le organizó en 2005 una importante exposición individual “Capablanca’s real Passion”, itinerante a diversos museos americanos. La exposición “¿Revolución o Rizoma?” , en la Galeria Continua, Beijing, China. En el 2009 participa en la X Bienal de La Habana “Integración y resistencia en la era global” y en la “53 Edición de la Bienal de Venecia”.

Web: http://www.carlosgaraicoa.com

2007

SIMEON SAIZ RUIZ (Universidad UCLM-Cuenca)

Seminario:

“La apropiación de imágenes de los medios de comunicación de masas por la pintura. Aspectos conceptuales y problemas técnicos”, Noviembre 2007

Trabajo artístico

Artista que ha trabajado durante más de una década en pinturas de gran formato basadas en imágenes de prensa y televisión, aparecidas durante el conflicto de la Guerra de los Balcanes. Al filtro que supone pasar de imágenes de los media a imágenes pictóricas aumentadas, se une a una imitación del pixel televisivo por medio de la pintura, de manera que el ilusionismo de la imagen queda así doblemente alterado, prolongando el acto de la percepción y reconocimiento de los sucesos. Con ello el artista busca producir imágenes a primera vista abstractas y seductoras que rehúyen la representación directa para dar a ver, precisamente, el fuera de campo psíquico del trauma que los escenarios de violencia comportan, sin distinción de víctimas. Utiliza la pintura para llamar la atención sobre el acto de recepción de los mensajes visuales que nos asaltan cada día.

Programa

Un análisis de la utilización de imágenes de los mass media por las artes, con un énfasis en la pintura, a partir de la práctica propia. Con una breve revisión del último siglo y del uso de dichas imágenes por artistas actuales. Se enfocará especialmente los aspectos conceptuales pero también los problemas técnicos que origina. El paso del acabado mecánico y digital de las máquinas al continuo de las manos suscita no solo problemas técnicos, sino también preguntas en torno a la autenticidad y la veracidad de la imagen.

Biografía

Artista y docente (Cuenca, 1956), vive en Madrid. Licenciado en Filosofía, es profesor de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Universidad de Castilla-La Mancha. Ha realizado exposiciones en el MEAC, Madrid (1985), “Kunst Rai’89”, Amsterdam, Centre d´Art Contemporani Girona(1998),”ATA Centre for Contemporary Art”-Sofía y “CajaBurgos” (1999). Así como participaciones en “¿Viva Pintura! Aktuelle Positionen spanischer Malerei”, Hangart- 7. ,Salzburgo, Austria , “Cosmética Dogmática”, CaixaForum, Barcelona, y “Confianza ciega”, Kunstverein Tiergarten, Berlin entre otras. Trabaja con la Gal. Nathalie Pariente, Paris y Gal. Fucares, Madrid.

Web: http://www.fucares.com/esp/saiz.php